Las relaciones entre las prácticas artísticas en el campo de la visualidad y lo alimenticio son de larga data, amplias y diversas, y no referidas exclusivamente a la representación.
Desde Leonardo da Vinci y su interés técnico artístico en la comida, pasando por movimientos como el Futurismo y el Surrealismo, el Pop norteamericano y el Neorrealismo europeo, el Fluxus y el Arte Povera o figuras contemporáneas como el destacado catalán Antoni Miralda, máximo representante del Art Food mundial, Carolee Schneemann y su Meat Joy, Daniel Spoerri y su Restaurant Spoerri o Marta Minujin con sus esculturas efímeras y happenings en los que empleaba queso, maíz o pan, por hacer unas pocas y emblemáticas menciones, el fenómeno alimentario ha sido abordado por artistas de diferentes maneras y utilizado con fines disímiles desde toda la historia.
En ese sentido y otorgándole una instancia de relación entre ambas prácticas como alimentación y producción visual, hemos centrado mirada y gusto por obras, trabajos y ejercicios que incorporan la conceptualidad desde lo gastronómico, observando y comentando variadas pulsiones sobre este cruce, distinguiendo artistas y proyectos que habían o están transitando en estos ejes de representación desde lo alimenticio, incorporando fundamentos, teoría, cuerpo y volumen a un serie de montajes y colaboraciones, performances o graficas desplazadas, recomponiendo un artefacto de un sólido hilo conceptual y temático, que ha sido combinado por una destacada participación de artistas nacionales y un destacado caso internacional como Antoni Miralda, quienes desde fotografía, grabado, pintura, collage, instalación, video, textos y registros, enaltecen desde lo simbólico, la importancia de estos actos y su vital relación con las comunidades.
De este modo, Festival Internacional de Gastronomía Bahía Inglesa “Cocinas del Pacifico”, impulsa una de sus secciones temáticas y de contenido con un “Ciclo de Artes Visuales y Gastronomía”, el cual mediante su ejercicio curatorial «La Incidencia de Lo Culinario en la Producción Artística», dispone de un característico y no siempre presente cuerpo de exhibiciones, logrando posicionar e insertar, una escena artística de amplio desarrollo a nivel mundial, lo cual desde su primera versión, como en sus futuros capítulos, demuestran el estrecho vínculo que extiende e incluye a los actos culinarios como procesos de arte.
Los nuevos conocimientos van quedando así insertos en cada lugar para activar diversas mejoras y nuevas nociones en otros espacios de residencia, así como también aportando nuevas experiencias al residente, generando un círculo virtuoso culinario.
En relación con este Ciclo, Joe Villablanca nos presenta una obra articulada desde dos proyectos paralelos, pero de ciertas lecturas en común, las cuales posan para esta versión de manera simultánea.
Estos trabajos plásticos y objetos, realizados por medio de variados materiales y estéticas, aluden a un cierto registro, en el caso de “Querido Diario”, en su forma y utilización de cuerpos y herramientas culinarias, temas que incluyen la funcionalidad de articulo u utensilio utilitario, retratados en volumen y materialidad mutada, pero con la sensibilidad y emotiva presencia como elemento de memoria, adosada o la serie de pinturas “Naturaleza Muerta”, en donde la impronta de la “No Pintura”, alude desde un escenario del desecho y la viruta, a retratos objetuales de cotidiana relación, como el caso de las ollas en un contexto de botadero y eriazo social, cumpliendo un importante eje de visualidades y temáticas, que extienden a los elementos que conforman la gastronomía a producciones de arte.
Iniciado por Montse Guillén y Antoni Miralda, FOOD CULTURA es un proyecto en desarrollo que ha centrado su atención en torno al estudio de la comida y el alimento, junto a sus múltiples implicaciones artísticas, sociales y económicas en todas las culturas.
Miralda inició Food Cultura a finales de los años sesenta, como una exploración artística y sobre el comportamiento, proponiendo performances sociales de contenido ritual y antropológico. Una serie de banquetes ceremoniales (Fete en Blanc, 1970; Four Colors Ritual, 1971, creados en París con Dorothee Selz, Jaume Xifra y Joan Rabascall; Movable Fest, 1974; Fest fur Leda, 1977; Wheat & Steak, 1981, entre otros) celebraban el simbolismo del color y de la comida, alteraban los parámetros de los espacios públicos y se convertían en una invitación abierta a la participación.
Precisamente, este entramado ha sido ampliamente explorado por The Power Food Project, Artium, 2008 / Es Baluard, 2009, que se refiere a la alimentación y sus implicaciones culturales, económicas y políticas (el hambre, la inseguridad alimenticia, los cultivos transgénicos, los biocombustibles, etc.), cuestionando si los alimentos son una necesidad vital para la supervivencia o, por el contrario, un medio socioeconómico para la propia sociedad.
FOOD CULTURA reflexiona sobre cómo la memoria alimentaria y los modos alternativos de concebir nuestra relación con la comida, la naturaleza y el entorno pueden representar formas de resistencia y supervivencia que dejen espacio para lo distinto y lo desconocido.
Dicha investigación, interminable por definición, se abre a cualquier nuevo foco de interés que pueda aparecer. En resumen, Food Cultura aspira a convertirse en un lugar de encuentro y de intercambio.
En el caso de Bahía Inglesa FCM presento un montaje de registros, memoria y obras que hablan y señalan la historia de este importante e internacionalmente reconocido proyecto cultural, el cual de manera curiosa y gestionada, activa una presencia inédita para el balneario de Bahía Inglesa y su Ciclo de Arte y Gastronomía.
El propósito elemental de esta presentación y exposición es una invitación a reconstruir la historia del TAV, Taller de Artes Visuales, vital e importante proyecto de la incipiente escena gráfica, que surge en la circunstancia artística local, ligado a un contexto de sumo complejo para el país, y que, no obstante aquello, pervive hasta el día de hoy. Es decir, la presente situación ofrece al lector un estudio monográfico sobre el TAV y su devenir a través de más de tres décadas de existencia.
Presentar la historia de un taller especializado en las técnicas de la gráfica –o de cualquier disciplina artística- supondría el rastreo y la catalogación de las referencias al respecto, registradas en las fuentes fundamentales para la historia del arte local, es decir, estudios sobre arte chileno, catálogos y crítica especializada; como también de los. documentos oficiales de los principales centros de enseñanza artística del país, esto es, universidades, institutos, academias.
En esta situación, Marco Duran relata de manera presencial y emotiva, una descripción vivencial de este taller, de la relación que cultivo junto a los maestros Carlos Donaire y Guillermo Fromer, de las obras, trabajos y proyectos de los cuales fue participe, colaborador o editor… Un rescate de la memoria artística nacional reciente y que requiere de ser difundida y extendida, como en caso de este Ciclo.
De Cortillas se presenta y potencia el “Ciclo de Arte y Gastronomía” mediante una presencia vital en la escena de Arte y Culinaria chilena.
Sus trabajos han aludido desde hace más de una década a una serie de instancias y trashumancias de los actos culinarios, en donde tradición y patrimonio se representa en producto y preparación, con denominación de origen simbólico y sabor trasladado a territorios opuestos al origen.
Así también el registro de emblemas culinarios en “Chile Amasa su pan” o situaciones extremas donde la cocina y sus huellas marcan el sabor social como en “Terremoto”, son algunas de las operaciones en donde Natascha manifiesta este cruce vital y vitalicio del artefacto artístico como reflejo del comer colectivo y nutritivo, y a la vez una participación que estructura la articulación de este “Ciclo”, extendiendo en fundamento y territorio las conjeturas del “Comer Simbólico”.
Eximio grabador totémico, vital cocinero y heredero de la sazón familiar, Lankin representa con su visita al “Ciclo de Arte y Gastronomía”, la instaurada trama y tendencia del “Desplazamiento del Grabado por la Vía Culinaria”.
Esta acción visual, gráfica y performática, en la cual los soportes clásicos y sus conceptos de “Matriz, Edición y Serie “se traspasan a instancias operativas alteradas y situadas en ejes de producción social como lo es la cocina y sus actos de ejecución, en donde la serialidad de su producción y la matriz de los recetarios y herramientas actúan como ejemplos de series editadas en materiales vivos y objetuales, a la vez que el verbo del servir se presenta como una instancia repetitiva y editada ante los asistentes a estos actos.
Poseedor de una trayectoria notable dentro de las artes visuales contemporáneas chilenas, además de ser un reconocido cocinero y sibarita, la obra de Juan Castillo ha desfilado por variados contextos políticos, generacionales, territoriales y poéticos, destacando sus participaciones en el mítico grupo C.A.D.A. (Colectivo de Acciones de Arte), el cual marco por sus trabajos y obras netamente conceptuales y sociales en un contexto político especial de nuestra historia.
Desde dicha época hasta estos días, la destacada obra de Castillo ha participado en los más destacados escenarios del arte mundial, como así su constante colaboración con proyectos y artistas emergentes y territorios deshabitados, en donde las poéticas del silencio y sus presencias marcan estética y temáticamente sus artefactos.
Así también la figura de Castillo ha estado siempre ligado a la producción culinaria, tanto en el simbólico trabajo de las “Bolsas de Leche” en los ochenta, como ser padre de un destacado cocinero en Suecia o las colaboraciones en la obra de La Olla Común y Antoni Miralda en Chile, además de poseer una excelente sazón y recetas de platos propios, los cuales se harán obra en este ciclo.
Reconocido por sus taxidermias en perros y luego convertidos en esculturas, o como el director del destacado espacio “Perrera Arte”, la obra de Becerro ha sido una de las más mediáticas del último tiempo en nuestro país.
Ligadas a una producción de los márgenes y en los márgenes, sus trabajos descolocan la visión de obra tradicional debido a lo chocante de algunos montajes, pero en donde destacan la experimentación a otros soportes, la crudeza y concepto que el “Perro Chileno” activa en el imaginario cultural chileno.
Por medio de esas ideas y tramas operativas, la presencia de Becerro en este evento se enmarcará al desarrollo de una serie de pinturas performática o acción Paint, que durante los días del Festival y “Ciclo de Arte y Gastronomía”, realizará una pintura en vivo en las afueras de los restaurantes participantes de medidas de 2.10 x 1.80 mts. tituladas “Perro Muerto”, como una clásica expresión nacional al acto de no pago de cuentas de una comida.
El trabajo de Alejandro Diaz transcurre de manera autodidacta e introvertida en el interior de su taller de Bahía Inglesa, en donde desde hace años comienza a re representar trabajos visuales inspirados en «Gráficas Rupestres Históricas» encontradas en la Región de Atacama, tomando dichas referencias como modo de faena y oficio.
Estos trabajos compuestos por ensambles de tierra de color y minerales sobre soportes de madera, refrescan las señaléticas arqueológicas y faros simbólicos que tienen como fin replantear, de manera actual, un rescate a la memoria local y nativa, además de valorizar un oficio y técnicas ya diseminadas y fuera de las actuales producciones de obras visuales.
De ahí la importancia de contar con un artista local y obra territorial que describen aspectos sociales de otras épocas, y en donde la cocina y los alimentos se reflejan a cada instante en las instancias de pesca y cacería que los antiguos habitantes de estos territorios ejecutaron.
Oriundo de la ciudad de Santiago, pero con residencia hace una década en el puerto de Valparaíso, Villalobos se ha posicionado como un activo e hiperquinético creador ligado a la escultura, los volúmenes y ensambles mayoritariamente en metal.
Este oficio adquirido en las aulas de la Pontifica Universidad Católica de Santiago en la década de los 90tas, se potencio de tal manera que sus trabajos han ido en un intenso “crechendo” material y simbólico, presentando su obra en exposiciones y simposios, como así invitado a residencias en México, Ecuador y lugares de Chile en donde se caracteriza por su especial manera de difundir su obra.
Aun en tiempos donde las practicas escultóricas se han desplazado a lo objetual y abstracto, la obra de Villalobos mantiene esa estética figurativa, bruta y catártica en donde sus montajes de pescados, veletas y herramientas exhiben su crudo material y las forjas, fundiciones y alianzas de elementos con que compone su descarnado imaginario visual.
La participación de Villalobos en el “Ciclo de Arte y Gastronomía” obedece a su trabajo del último tiempo en donde ha tomado elementos de la cocina como cubiertos, ollas, mesas y demases para componer y diseñar intimas y descarnadas piezas de colección que nacen desde el espacio doméstico y público que el cocinar activa en los cuerpos sociales.
Pintor y grabador, montajista y diseñador, la figura de Carter transita por variados soportes y técnicas en su producción visual, la cual destaca por sus trabajos plásticos y pinturas de icónica simbología “Carteriana”.
En esta ocasión, Carter interviene una serie de “pailas” de aluminio a modo de matriz de grabado en metal, siguiendo los tradicionales pasos de esta “Cocinería” al ácido y bajo el estricto recetario de cocción, las cuales operan como soporte a la impronta gráfica que expone, siendo la matriz única y pieza funcional desarticulada de su uso gastronómico y un claro ejemplo del Desplazamiento del Grabado por la vía culinaria.
Profesor de arte, oriundo de Copiapó y residente en el puerto de Valparaíso, Jara nos propone su trabajo plástico en base a acuarelas, aguadas y dibujos que registran productos, platos e ingredientes vinculados a lo comestible y bebestible.
Estas obras expresan un fuerte sentimiento de calidez y emoción que activa el gozo relacionado a las ingestas y su fuerza amigable que convoca, nutre y emociona. Sobre esas tramas de poesía visual y destacada técnica, nuestro artista del color dispone un relajado panorama de degustación, el cual invita y atenta a la gula del buen sabor visual.
Egresada como escultora y en técnicas del maquillaje profesional, Molina ha ejecutado una activa e hiperquinética trayectoria como artista visual, transitando en diversos campos pedagógicos, soportes y materiales, destacando últimamente por su trabajo en acuarela, dibujo y principalmente bordado sobre papel.
En esta ocasión Lorena ejecuta una serie de platos de cartón intervenidos por diseños en bordados, aludiendo a distintos ingredientes, productos y preparaciones del cotidiano gastronómico familiar y popular, ejecutando un claro registro plástico por medio de técnicas alternas no siempre presentes en la producción visual, como es el caso del bordado y el hilado, como un importante oficio de identidad y memoria.
Residente en la comuna de Caldera, Allende despliega una serie de registros fotográficos en instancias ligadas al comer local y su extensión a campos de visualidad casual y sin pretensiones, como lo son las decenas de pizarras de restaurantes, manteles de plástico y sus mesas o parroquianos degustando suculentas sopas y platillos.
A contrapunto de Andrea Herrera y Caja de Cartón, Marco Allende nos ofrece su imaginario fotográfico y registro vivencial desde nuestra propia comuna, norte de Chile y su paisaje desértico en donde brotan estas prácticas captadas por su emoción hacia los actos culinarios.
Tomando en cuenta su trayectoria en el campo de la fotografía que además opera desde la octava región de Chile, Andrea Herrera se posiciona como un interesante cuerpo de registro y difusión patrimonial en contenido y estética, abordando además el rescate de variadas instancias dignas de captar y albergar.
En dichas acciones, “Caja de Cartón” resuelve de manera emotiva y concreta, un archivo fotográfico, destacando la instancia de registrar y rescatar un sin número de causales que deambulan desde y entre la cocina como el más importante factor de identidad de las comunidades, destacando casi de manera arqueológica y reconstituida estos aspectos, objetos, historias y elementos que el cocinar y sus extensiones, sirviendo como conductos de identidad, reconstruyendo por medio de la memoria fotográfica un emotivo rescate de estas comunidades por medio de su comer y elementos que la componen.
Considerado el principal artista a nivel mundial del “Art Food”, la figura de Antoni Miralda es vital y fundamental en la comprensión de esta escena y su representación a nivel de arte contemporáneo. Nacido en Terraza, Barcelona en 1942, es desde los años 60 en su fuga a Paris en donde comienza a desarrollar su carrera en base a tres conceptos: Los Soldados, Las Ceremonias y la Comida/Cocina en donde año a año se va consolidando con monumentales obras que involucran el espacio público, galería y museos como así proyectos itinerantes e incluyentes por buena parte del orbe, siendo un destacado invitado a decenas de Bienales y ferias de Arte. Así también ejecuto durante los años 80tas un destacado “Food Situation” en el ex restaurant “Teddys” de New York en donde inaugura “El Internacional” con elementos de cocina española, catalana y mundial con verdaderas performances que incluyen lo culinario. Pero es con su trabajo “Sabores y Lenguas” en donde la figura de Miralda se hace masiva e itinerante, deambulando por buena parte de Europa América y países de África y Asia por medio de esta inclusión de soportes ligados a lo culinario y en donde invita en cada a país a decenas de cocineros, artistas y operadores del comer a participar de sus acciones y trabajos colectivos. Así también destaca su obra “Oda a la Papa” realizada en Perú junto al Instituto de la Papa en donde posiciona su trabajo en América latina.
En esta ocasión y con respecto a su visita al “Ciclo de Arte y Gastronomía” y su relación a este ejercicio curatorial, Miralda desarrolla una residencia artística y obra específica para nuestro Festival 2018, desarrollando una instalación escultórica y objetual en base a un collage de elementos, artículos y herramientas culinarias, las cuales despliega en un montaje de volumen, que alude directamente al cuerpo culinario, elementos que componen hogares, cocinas, casinos y espacios de comida, en donde retirados de su función utilitaria, se recomponen como elemento visual y simbólico, que destaca puro e incólume, cual ofrenda al eje culinario y sus extensiones a los cuerpos sociales.
De Kalapurca a la Pataska Karina Prudencio Álvarez es artista visual con formación en Pedagogía en Artes Visuales y Magister en Artes Visuales. Se desempeña como docente en la Educación pública y presenta su trabajo artístico en varios lugares tanto en Chile como en el extranjero. Sus principales problemáticas giran en torno a lo femenino y lo indígena a través del cuerpo y la comida De Kalapurca a la Pataska es parte de un ejercicio de memoria que propone la artista a través de la performance. La obra tensiona la tradición con el arte contemporáneo vinculando una tradición ancestral indígena con una obra de performance que contiene video, instalación de objetos y comida desde una acción relacional.
Egresado de la mítica Escuela de Arte Arsis sede Valparaíso y deambulando entre la autogestión, la música y las instancias gráficas, Felipe Rojas anida su producción de obra bajo la escena del Desplazamiento del Grabado, inculcado en parte por el maestro Mario Soro y sus postulados sobre dicho paradigma.
Así también se adentra en colaboraciones con varios proyectos y colectivos, siendo un estrecho colaborador del trabajo “La Olla Común”, en donde diseña para el Festival de las Artes de Valparaíso 2016 una obra en torno al “Locro Argentino” y su irrupción al imaginario nacional tras la especial boda Boloco & Menem.
Para este ciclo, Rojas Felipe desarrolla un ejercicio grafico desplazando el soporte tradicional a platos de alimentación, además de un impreso con la imagen de estos personajes disfrutando de este tradicional potaje trasandino, que corono una de las relaciones de poder más comentadas y bizarras de hace algunos años, y en donde el eje culinario activa el soporte, la materialidad y el concepto de obra ante una situación política kitsch y populista.
Comunicador Visual en artes plásticas con mención en gráfica y fotografía, Ormazábal delata directamente este cruce de oficios en la composición de su trayectoria, obras y conceptos, aludiendo en sus montajes a las intersecciones de su formación.
Originario de Santiago de Chile, pero arraigado hace ya 20 años en Atacama, Manuel Ormazábal ha formado verdaderos gabinetes visuales de registro, tomando atención a una serie de ejercicios y proyectos adosados a instancias patrimoniales, geográficas y conceptuales del norte de Chile.
Y es ya en su última etapa de producción la que capta la atención de la curadora Soledad Aguirre, quién entrega información a nuestro Festival y que alude directamente a la curatoria del “Ciclo de Arte y Gastronomía”, en donde su trabajo compuesto por collages en ensambles de imágenes icónicas en lo referente a un paisaje nación, pero descalzado de centralismos y compuesto por una serie de registro ligados a lo culinario, como estructuras barrocas e intensas desde la imagen del alimento en conformación al destino lugar de nuestros territorios.
Figura icónica en la producción plástica local/comunal/regional, Gonzalo Vidal posee el reconocimiento general como un activo e hiperquinético artista, profesor y gestor en innumerables proyectos expositivos, gráficos y hasta editoriales, delatando un cariño especial desde su persona por la expansión del trabajo plástico que ha llegado y llevado a todo el espectro socia regional, desde escuelas, centros vecinales, adultos mayores o talleres colectivos.
En esta ocasión, Vidal interviene una serie de soportes de madera en formato de paleta o paloma publicitaria, en donde calca su impronta visual, desplazándola desde lo plástico netamente a un componente gráfico y de factura visual directa e icónica con respecto a instancias culinarias.
Santiago de Chile 1966, artista visual contemporánea, curadora y gestora cuya obra espera mostrar desde la reflexión autobiográfica y los roles culturales, un discurso propiamente femenino. En el ámbito de la curatoria y gestión, dirige la Galería Balmaceda Arte Joven de la Región Metropolitana reconocido espacio para el arte emergente chileno.
En relación a este Ciclo, Zomosa propone una acción en forma de peregrinación, en la cual se trasladará desde su lugar de montaje expositivo al espacio público de Bahía Inglesa, un vestido de grandes dimensiones, bordado y diseñado con las características de su obra visual, la cual nuevamente alude al cuerpo social femenino y su representatividad en los campos domésticos hacia lo público y que aluden de varias maneras al rol y ejecución de las deidades y peregrinaciones de ofrenda, en donde se pide y agradece a la Diosa del Mar por los favores concedidos.
Licenciada en Artes Visuales de la Universidad Católica (1997), con estudios en Gestión Cultural en la Universidad de Chile (2005).
“Mesa para dos”, trata el tema de la comida en comunión entre dos personas. Esta frase generalmente es usada en instancias en que una pareja hace una reserva en un restaurante o en una situación culinaria; en este caso la artista interfiere esta situación para referirse a una “cena típica” pero entre una madre sola con su hijo o hija, distanciándose y dislocando del todo un tema romántico, de seducción o protagonismos, para tratar un contexto cotidiano del día a día en la cual la relación de pareja pierde protagonismo.
Desde 1998 es codirectora de Galería Metropolitana, plataforma desde la cual ha desarrollado una intensa práctica de gestión y curatoría relacionada con la exhibición y difusión del trabajo de artistas nacionales e internacionales, además de la residencia Galería Metropolitana Laguna San Pedro, Octava Región.
Formó parte del equipo de la Revista de Crítica Cultural (dirigida por Nelly Richard) desde 1993 a 2007. Ha participado, entre otros, en: Residencia de Gestores Capacete; Simposio Dislocación Kunstmuseum Berna; Entrecampos Regional Neuquén; Proyecto pedagógico Grito e Escuta Bienal de Mercosur; Documenta 12 magazines Kassel; Encuentros de Teoría y Crítica Bienal de La Habana. Para este Ciclo, Saavedra presentara una introducción al proyecto de Galería Metropolitana, su desarrollo y proyectos más emblemáticos, como así el lanzamiento y presentación de su catálogo Memoria 2011 – 2017, además de exponer proyectos que la han vinculado al eje culinario desde la plataforma territorial en donde trabaja.
Estudiante de Arte en la Universidad Nacional de Las Artes (U.N.A.), ha desarrollado su carrera y obra entre las prácticas gráficas y pictóricas, principalmente junto al artista Jorge Lankin como ayudante y desde donde comienza su labor artística.
Desde el año 2015 vincula el desarrollo de su técnica, formato y soporte por medio del oficio en bordado.
“Comer”.
Castillo nos presenta un tríptico desarrollado por medio de la técnica del “Bordado”, con la cual diseña la obra “Comer”, en donde hilvanando textura, color y forma, presenta una serie de reflejos y expresiones faciales en torno a los actos de alimenticia, donde “el deseo, el acto y el placer” se vinculan por medio de la ingesta, delatando un cuasi hiperrealismo retratista y visual por medio de esta técnica.
Pintora y Gestora Cultural, con estudios en Santiago de Chile, México y España, se radica en Pichilemu, desarrollando una carrera ligada al retrato, los paisajes y un tipo de bodegones actualizados, bajo una estética de “Expresionismo Realista”, lo cual la ha caracterizado bajo su pincelada firme, gruesa y colorida que se inspira en su entorno natural y social, otorgándole una fuerte carga lumínica y de presencia rebosante a sus registros plásticos, devolviendo una impronta revitalizada a sus afirmaciones visuales, las cuales ahondan su libertario itinerario que cita y retrata de manera efusiva y directa.
En su cuerpo de obra “Lo que el Mar me Contó”, presente en este Ciclo, Hagel realiza un doble registro, tanto visual como escrito, levantando un informe plástico y teórico en base a productos del mar y del valle de la costa circundantes a Pichilemu, en donde entabla un dialogo con diferentes cocineros y personajes ligados a las faenas de extracción y preparación de alimentos, activando un recetario emotivo, figurativo y real que se activa en doble labor gracias a los retratos de diferentes elementos de la flora y fauna marina y comestible, como así de los sectores y faenas que las producen.
Este universo “del campo, la playa y las personas”, alcanzan un clímax de alta relación y redención, en donde el trazo y pincelada clara, figurativa y eléctrica, realza la bondad simbólica que los alimentos activan en nuestra realidad y cotidianeidad, instalando de manera emotiva, clara y certera, la relación entre el registro artístico retratado y la importancia de los actos y elementos conjugados por la comida, los territorios y sus componentes humanos.
Las instalaciones de Simón Fuentes se leen como dispositivos complejos que emplean con habilidad signos y símbolos culturales.
En “Ruminatio”, el barro ocupa un lugar de privilegio para reconocer procedimientos que se manifiestan con la apropiación de una técnica ancestral, valiéndose de materiales que surgen como la expansión de la escultura, logrando piezas de destacada simetría visual.
En este plano, el artista, se contenta con elaborar objetos de barro que revelan estos procesos visuales.
“Ruminatio”, continúa con las obras de orden tipográfico del artista, refiriendo al ejercicio del verbo “Rumiar” en latín clásico “Ruminare”, que refiere a la acción animal de masticar un alimento que estuvo alojado en el estómago.
Comunicador visual con estudios independientes en Artes Visuales, Diplomado en Antropología del Arte del Laboratorio Transdiciplinario de Investigación en Ciudad de México, ha centrado su trabajo en el hombre y el espacio social, investigando a través de lo “Domestico y el Paisaje”, problemáticas conceptuales y estéticas asociadas al cuerpo, la memoria y la habitabilidad de tiempo y territorio.
Su trabajo y obra se desplazan mediante variadas técnicas y soportes como la pintura, el video, la performance, la instalación y lo textil. Y tomando justamente su instancia de investigación y desarrollo de obra desde lo “doméstico y lo textil”, Velasco colabora a este “Ciclo de Artes Visuales y Gastronomía” con una obra de volumen que contiene tres piezas de origen culinario, como lo son una olla, un sartén y una espumadera, los cuales son recubiertos y reconstituidos por una capa de lana cruda, otorgándole a estas piezas un ente cobertor, la cual designa una nueva presencia y uso a estas herramientas del cotidiano gastronómico, enalteciendo mediante una cálida capa de textura textil, el valor intransigente de estos valores y bienes domésticos, el cual bajo el sugerente nombre de “Calor de Hogar”, remite una lectura y diálogo por los elementos que conforman el diario vivir de la amplia masa social, que al amparo de estos compuestos, forja la nutrición del día a día.
Artista Visual, Licenciado en Arte (U. de Chile, 1987), ha participado como artista en residencias, simposios y expuesto en colectivas e individuales en galerías y museos de Chile, México, Argentina, Perú, Ecuador, España, Francia y Polonia.
Su trabajo se dedica a la producción de ensayos fotográficos que buscan, a través de una mirada arqueológica, la poética de los espacios, de sus restos, vestigios y huellas culturales.
En esta ocasión, Valderas presenta un trabajo y registro relacionado a la “arqueología de las formas”, de las transformaciones a que ciertos objetos han sucumbido en su re utilización, puntualmente en el caso de ollas, sartenes y cucharas de palos, elementos y herramientas que han sido tratados simbólicamente desde el reclamo social, acentuados desde el mes de octubre del año recién pasado, en donde el fulgor de la protesta ha tomado históricamente y desde variados frentes y tendencias, el uso de dichos artículos a modo de dispositivos sonoros y visuales que se enarbolan como elementos de lucha ciudadana.
Así también las grafías y formas que han adoptado estas ollas y sartén, posterior a su uso de elemento de reclamo, activa una serie de lecturas e interpretaciones, convocando estas nuevas estéticas del objeto, a una revisión de texturas y tactos, que desplazan su condición formal y utilitaria a rangos escultóricos vivos y formados sin ni una pretensión artística de o de valor visual para el usuario, pero que bajo la lectura de Valderas, adquieren un importante y fuerte carácter de relación social, collage o pixel objetual intervenido que toma a estas figuras del comer y el alimento como bastiones de carga icónica que enaltecen el componente de radio ampliado de la cocina y su composición objetual a un rango de participación social y simbólica.
Fotoperiodista, se autodenomina “fotógrafo social”, con experiencia en fotografía documental y proyectos fotográficos comunitarios desde hace dos décadas, ha incursionado en la realización de una serie de registros temáticos, centrando su lente en una lectura de ámbito humano y su relación ante el medio natural, rural y social, convirtiendo sus piezas en elementos de emoción relacional y cotidiana.
En relación a este Ciclo, Mendoza presenta una serie de registros efectuados al Mercado de Talca CREA, (Centro Regional de Abastecimiento) emblemático punto de abastos en donde han confluido tránsitos vinculados al alimento, los productos, las personas y toda la historia comercial de esta ciudad durante décadas, y que insertado en la actualidad continua ejerciendo un importante espacio de memoria y patrimonio local.
Estas imágenes revelan y contienen una fuerte carga emotiva y visual, retratando aspectos cotidianos que enaltecen las prácticas de comercio y presentación alimenticia, además de albergar a cocinerías y artesanías características de la Región del Maule.
Proyecto apoyado por fondos FNDR del Gobierno Regional a través de SERNATUR Atacama
Proyecto acogido a Ley de Donaciones Culturales.
Todas las actividades descritas son sin costos de entrada y debidamente informadas para potenciar su alcance en la comunidad.
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